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Hoy vemos cómo recortar nuestras fotografías puede mejorar el resultado final y Sandra nos acerca el trabajo del fotógrafo David Burdeny.
TALLERES DE FOTOGRAFÍA
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RECORTAR NUESTRAS FOTOGRAFÍAS PUEDE MEJORAR EL RESULTADO FINAL
FORMAS DE RECORTAR
Antes de nada, me gustaría comentar que el recorte no es algo malo. Yo lo considero una parte del proceso creativo. Una herramienta muy potente que no solo sirve para modificar el tamaño de una imagen, sino que nos permite eliminar elementos no deseados y nos puede ayudar a mejorar la composición de una escena.
En mi proceso creativo utilizo 2 formas de recortar:
De la primera, hablamos en el episodio 34 Cómo usar teleobjetivos en Fotografía de Paisaje.
De la segunda, hablamos hoy y se trata del recorte durante el procesado de imágenes.
A mi me gusta hacer todo lo que puedo en el campo, pero es cierto, que para determinadas fotos, no quiero ser esclavo de la relación de aspecto que marca mi cámara (relación 3:2) así que tengo que recurrir a cambiar ese aspecto en el post procesado.
También puede suceder algo inesperado. Hemos captado el instante pero la composición no ha sido la mejor. Ha sido un momento fugaz en el que no hemos tenido tiempo de componer adecuadamente. En ese caso, el recorte nos puede ayudar.
La herramienta de recorte forma parte de los primeros pasos en mi flujo de trabajo. Lo hago antes de aplicar cualquier ajuste de exposición, rescate de luces y sombras, etc., porque es algo que afecta directamente al histograma de una imagen. Si hay una zona muy luminosa o muy oscura y la elimino, recortándola, la curva del histograma varía.
ALGUNOS CONSEJOS SOBRE RECORTE DE IMÁGENES
Usa el recorte para destacar el sujeto. A veces metemos demasiadas cosas en nuestro encuadre y al ver la foto con tranquilidad, nos damos cuenta de que un recorte ayuda a darle más fuerza a un elemento determinado o a simplificar la composición.
Usando el recorte puedes dirigir la mirada del espectador hacia una parte concreta de la imagen.
Ten cuidado con la distorsión al usar objetivos angulares. Dependiendo de la escena, es posible que tengas que hacer correcciones de perspectiva y probablemente tengas que recortar la imagen.
Relación de aspecto y proporción del sensor. Siempre utilizo la proporción que capte el mayor número de píxeles y si fuera necesario, ya recortaré después. Por ejemplo, en las fotos que hago con el dron, siempre hago la captura con su relación de aspecto nativa que es 4:3 y después, recorto según mis necesidades. En el caso de que haga una captura con la relación 16:9, pierdo información que nunca podré recuperar. Sobre la relación de aspecto hablaremos largo y tendido en otro episodio.
Lo que no recomiendo es acostumbrarse siempre a recortar para mejorar la composición. Si haces eso, claramente estás fallando en el trabajo de campo.
Puede ser interesante recortar imágenes a un formato único para una serie o una exposición. Imagina que tienes fotos cuadradas, rectangulares, etc. y con diferentes tamaños. Es probable que el espectador se despiste con formatos variados y que le llamen la atención determinadas obras en función del formato y tamaño elegido.
Recorte de fotografías para imprimirlas. A la hora de imprimir imágenes y dependiendo de dónde lo hagas, es probable que tengas formatos cerrados y tengas que imprimirlas con esos formatos.
A veces captamos momentos fugaces, como ya decíamos antes, y es probable que lo hagamos con la cámara en posición horizontal. El recorte puede ayudarnos a mejorar la composición convirtiendo esa imagen horizontal en vertical.
El recorte puede ayudar a mostrar una perspectiva diferente, acercando el sujeto y dándole mucho más protagonismo.
Con el recorte podemos eliminar distracciones.
Ten en cuenta que el recorte reduce la resolución del archivo.
ENLACES DE INTERÉS
Episodio 34, Cómo usar teleobjetivos en Fotografía de Paisaje.
Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923, 29 de septiembre de 1997) fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.
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MI EQUIPO FOTOGRÁFICO
Te dejo la lista con el equipo que utilizo en mis salidas fotográficas.
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FOTÓGRAFO DESTACADO
En este episodio Sandra nos presenta el trabajo del fotógrafo David Burdeny.
Nombre: David Burdeny
Página web: https://www.davidburdeny.com
Instagram: https://www.instagram.com/david_burdeny
¿Por qué destaca?
El fotógrafo canadiense David Burdeny viaja por todo el mundo para crear imágenes impactantes.
David tiene una licenciatura en diseño de interiores y un posgrado en arquitectura. Estudió durante 8 años y ejerció durante otros 10 antes de dedicarse a la fotografía a tiempo completo, pero empezó a hacer fotografías con 12 o 13 años. En lugar de jugar al hockey, se dedicaba a hacer fotografías. Aprendió a revelar sus propios negativos tras un cuarto oscuro en su casa. Durante casi toda su infancia y edad adulta fue una afición, hasta que en 2006 se convirtió en algo más serio.
Desde que se lanzó al mundo de la fotografía profesional, ha fotografiado lugares en los siete continentes, desde arrozales y vestigios del colonialismo hasta opulentos interiores de palacios.
Sin embargo, el trabajo de David no es estrictamente una documentación de estas expediciones: sus fotografías ofrecen una perspectiva reflexiva sobre la forma en que experimentamos y conmemoramos ciertos espacios y estructuras. Utilizando largas exposiciones y paletas de color suavizadas, capta su entorno con una calidad meditativa y un nivel de detalle espectacular.
Lógicamente su formación influye en su fotografía de forma subconsciente. Su estilo fotográfico refleja una estética muy particular a la hora de ver cosas tridimensionales y cómo las traduce a un soporte bidimensional. David se centra en las líneas y las proporciones y en poner orden en el caos que hay. Desmenuza escenas complejas y extrae todo lo que pueda para centrarse en la esencia.
Otra de las características del estilo de David es su particular forma de tratar el color. Gracias a ello, transmite al espectador que lo que está viendo es una fotografía entendida como una ventana al mundo o un espejo. De esta forma David utiliza muchísima resolución y detalle para mostrar lo que hay. Posteriormente rebaja el color para recordar al espectador que está viendo una versión abstracta de la realidad. No intenta fotocopiar lo que hay, sino compartir su propia interpretación de los colores o su recuerdo de ellos. En su caso, siempre están un poco difuminados porque considera que nuestros recuerdos se desvanecen con el tiempo. Así son un poco más ambiguos.
Y un último aspecto que merece la pena destacar es su eclecticismo: David reconoce que cuando se adentra en un proyecto lo hace en cuerpo y alma, hasta llegar a las últimas consecuencias… Hasta que considera que ese proyecto se ha terminado, se aburre o termina cansado de él. En ese instante lo abandona por completo y pasa al siguiente proyecto, en el que se involucra al 100%.
Por poner algunos ejemplos de esos proyectos, merece la pena mencionar “North/South”. La serie refleja paisajes en los que consigue capturar una atmósfera de paz y serenidad realizando por un lado largas exposiciones, en blanco y negro. Y por otro lado, su serie en color es un viaje a las escalofriantes bellezas del Ártico y el Antártico (fundamentalmente Groenlandia y la Antártida).
Otro es “A Bright Future” que surgió tras visitar Rusia. David se enamoró de la solidaridad rusa, descubrió un sol subterráneo en un metro y vio una extensión simbólica y narrativa de la historia y la política rusas en los espacios de las estaciones de metro, el teatro y las salas de los museos. El nombre de esta su serie, "Un futuro brillante", creada en Moscú y San Petersburgo, recuerda que la directiva de diseño de Stalin era hacer que el concepto de "un futuro brillante" fuera parte integral de la estética de los Metros.
Por último, en “Salt” David utiliza la fotografía aérea para explorar algunas de las salinas más alucinantes del mundo en Utah (EE. UU.), México y Australia. Viendo las imágenes es difícil determinar si las parcelas de color son el resultado de la magia de la cámara o de la naturaleza. Gracias al uso de formas amorfas, campos de color alargados y líneas verticales, dentadas y sinuosas, las fotos de David sugieren la expresividad pictórica de pintores expresionistas abstractos como Rothko, Still, Newman, Diebenkorn o De Kooning. Gracias a la reordenación abstracta del paisaje cada composición fotográfica se puede leer de forma completamente subjetiva.
Muchas gracias y volvemos en 15 días con un nuevo episodio de Distancia Hiperfocal. ¡¡Un saludo y hasta pronto!!
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